如果讓我來挑選出關於越戰的三部曲，那麼「前進高棉」絕對會是理想的首部曲，而二部曲、三部曲則還是個未知數。畢竟，越戰對美國的影響之深刻，以反映在電影工業上對此累積了大量的作品，沒有看個八成實在很難有個定論。對我而言，一部好的越戰電影，不是瘋狂的殺戮與震撼的戰爭場面，而是如何透過這些影像做為媒介，引領觀眾見到越戰對於生活於其中的人們與社會，引起了什麼樣的化學變化及不安騷動。
導演「奧利佛史東」本身就拍出過越戰的三部曲，「前進高棉」、「七月四日誕生」、「天與地」。首部曲「前進高棉」是關於越戰中的人性如何殺戮中產生疏離與異化，二部曲「七月四日誕生」則是關於退伍軍人返鄉後，如何與祖國、鄰人、甚至是家人間的無法相容…「七月四日誕生」非常地真實、細緻、更貼近生活，也具備了對越戰問題的深度與廣度，但是以藍波作為鮮明偶像的「第一滴血」，「席維斯史特龍」在「第一滴血」最後三分鐘極具爆發力的情感演出，也確實讓我深刻感受到，越戰的結束並不代表傷痛也同時被結束。這些電影作品都滿足了我對「好的越戰電影」的期待，在影像之外有著更多的社會敏感被提出。
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如果電影中的「喬治」這一家人算得上是中產階級，那麼絕大多數的觀眾相信也算得上是「麥可漢內克」意指下的「中產階級」了。普通的一台轎車、沒有奢華的住家裝潢、高貴的消費模式，電影中的主人翁，與我們相去不遠。為打理家務、照顧生意、工作升遷而煩惱。「…喬治也加薪了、再加上我媽媽的遺產，我們現在生活比較寬裕了…」電影這段背景旁白的自述，得以讓觀眾體認，我們就跟電影中所呈顯的「中產階級」相去不遠。
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一位難以分類、姑且籠統地冠上為後現代思想家，「羅蘭巴特」，曾經喊出「作者以死」這個口號。正如「尼采」在用「上帝已死」個概念來攻擊宗教傳統，「羅蘭巴特」則是用「作者以死」的概念來動搖作者至高無上的地位，在文學上掀起了一股「反現代」的思維力量。簡單來說，「作者已死」的意思是，當書寫完了、文字凝固於紙上不再可能改變，那麼書中所要表達的想法端視讀者如何解讀。在書完成的這個時間點上，作者已死，而讀者誕生，是一個相對而有趣的概念。
不過，當一個變態讀者無法同意這個說法，同時又不滿於作者所寫下的結局，這時候作者不是「已死」，而是將被折磨搞得半死不活。「戰慄遊戲」這部電影就是以這種超現實的「作─讀」關係為素材，來撥弄恐怖驚悚的病態互動。
電影改編自史帝芬金小說「Misery」，故事描述一位暢銷書籍作家「保羅」在經歷出版數本續集小說的賣座成功後，逐漸少了那份「為自己寫作的」感動，於是想要賜死于書中女主角「米瑟莉」來替這套作品畫下句點。當他完成作品，愉快地在大風雪中向紐約的出版商前進，一場打滑的車禍令他落入瘋狂的女書迷「安妮」之手。電影中的「安妮」患有精神疾病，而書中女主角之死的劇情又不符合她的期待，她的「暴怒抓狂」就成為了電影中的驚悚來源。於是，不像今年最令人期待的電影「為愛朗讀」那樣不倫、畸戀又浪漫的「我為你朗讀」；「戰慄遊戲」則成為了囚禁、干涉以及虐待作者下，完全不浪漫的「我為妳寫書」。
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有時要檢驗一部電影是否足以成為經典，或是成為一個指標性的作品，其實可以觀察它是否引領出這種「類型」電影的一波風潮。最近幾年的例子大概就是在香港電影「無間道」之後，黑幫電影的風潮又重新在香港復活，或是像台灣的「海角七號」之後，在數個月的時間內讓國片「類型」的電影多少沾到一點光。除了這種「跟風」現象之外，另一個常考量的指標大概就是「翻拍」了。
翻拍電影通常如果沒有經過較長﹝十數年或更久﹞時間的沉澱、醞釀，似乎效果會大打折扣，尤其是東方跟西方不同文化差異下的複製重拍，更容易有這樣的問題，明顯的像是「七夜怪談」西洋版，或是無間道的西洋版「神鬼無間」。相反地，如果經過一段時間後還以相同的題材拿出來重拍，導演也許能以時間來換取空間，對原作進行更深入的理解，考掘當時叫好又叫座的條件基礎，在新的年代、新的存在時間脈絡下，重新思量出另一種詮釋方式來給予觀眾一份新意。比較近的例子就在去年，侯孝賢導演重拍1956年法國經典短片電影【紅氣球】，獲得許多影評人的好評，更在美國知名的獨立製片網站Indie WIRE網站票選年度推薦電影，奪得最佳影片以及最佳導演票選第一。
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「致命的吸引力」，是以外遇題材搭配驚悚風格的影史經典電影。對許多人而言，作為片名的這個字眼因為一再被拿來複製、衍伸地使用，已經成為了台灣觀眾所熟悉的形容詞，但是算算已超過二十年的片齡，大概許多人對這部電影的內容細節都相當的模糊吧！
外遇招喚出凶殺的情節元素，無疑地可說是一次潛隱的依賴影像來對觀眾進行道德控制，這與2002年「李察吉爾」擔綱演出的「出軌」有同樣的倫理意涵，但教育對象在性別上卻有所不同，「致命的吸引力」主要是對男性進行道德壓迫與控制。電影「出軌」中的女主角有許多次踩煞車的機會，但是她卻沉陷於婚外情的浪漫而無法結束，最終演變成一場生命中的悲劇；「致命的吸引力」的男主角「丹」，就發生外遇的男人們而言，他可以算是相當有自制且理性，不過卻踩到了一顆大地雷─疑似精神不穩定的女子。
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「新天堂樂園」這部電影更早之前我應該就看過了，不過在絲毫想不起來內容的情況下，我還是買了DVD回家欣賞。在購買的時侯，DVD外盒上的介紹確實讓我掙扎了一番，就是那種既期待又怕受傷害的心情。「新天堂樂園」得到對我來說最迷人的大獎就是「坎城影展的評審團大獎」、「奧斯卡最佳外語片」跟「金球獎最佳外語片」，這三大獎簡直就是絕對的品質保證！
但是同樣令人疑慮的文字介紹也出現在外盒上─「此完整版是導演為了忠於原著…」、「170分鐘一刀未減…」。沒錯，不管導演是為了忠於原著、還是忠於自己的創作理念，快接近兩部電影的片長，確實令人擔心有劇情張力鬆弛、沉悶無聊的片段過多等等…。不過在觀影後我只能說：完全沒有時間感的觀影經驗。不會感覺到「新天堂樂園」的DVD版有近三小時的片長，它確實是「一部」令人感動的經典電影！也難怪1989年在坎城上映時，觀眾起立鼓掌會長達十分鐘了！
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每一部電影都是在講述一個故事。那麼「七月四日誕生」這個乍看之下沒頭沒尾的片名，其實就是要告訴觀眾，七月四日誕生了什麼？這個日子是美國的國慶日，國慶日當然就是一個歌詠自己國家的時刻。然而在這樣歌舞遊行的嘉年華會中所誕生的，卻是愛國主義的無限上綱，成為了人民意識形態的束縛牢籠。
湯姆克魯斯所扮演的愛國青年「維克」，誕生於這個與他的國家國慶日同一天的「偉大」日子中。他為此感到驕傲與光榮、為了讓自己的誕生取得同樣的重要意義與價值，那麼他的國家必然是閃耀著正義與偉大的國民精神。在童年的記憶中，他曾看過國慶遊行的退伍軍人眼中閃爍著恐懼、不安與落寞，他不了解為何明明是歡慶的鞭炮聲，卻會讓勇赴沙場的軍人顫抖害怕？他不懂那是一段什麼樣的經歷？在公開的學校與社會教育灌輸他的愛國信念之下，那不過是幼時「十萬個為什麼」中一個無傷大雅的小小疑問，沒有再度提起與思考的必要。
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通常看過2000年的「大逃殺」這部電影之後，很難不聯想到1990年重拍的電影「蒼蠅王」﹝更早的電影版本則是1963年，彼得布魯克導演所拍出﹞。兩部電影表面上非常地相似，都是關於一個班級的學生放到孤島上相互殺戮的故事，但是內在運作的邏輯卻是完全不同。後者在表現的深度與手法上，我想絕對是更勝一籌。
「大逃殺」講述的是一個關於中老年人對青少年的恐懼，失序與道德缺乏的下一代，必須以誇異的「B.R法」來再教育胡亂衝撞的未成年。電影一開始就明白地說明了這條律法，因此觀眾很簡單地就能理解電影題材所圈劃出的範圍，然後簡單地賞悅殘忍的獵殺行為，也因此，電影推演的過程有超過80%都在觀眾得以預料的範圍中流動，驚訝要嘛不是被剝奪，不然就是以表面影像來拉抬刺激；「蒼蠅王」則由「意外」來安置處於孤島的孩童們，沒有觀眾可以知道這群孩童會有怎麼樣的未來，因此隨著劇情摸索的結果，也正是逐漸累積觀看結局的期待感。而且這個結局，與「大逃殺」在過程與結局兩者間連帶的脫節感，相對來說是比較緊密的。
物以稀為貴，即使是「死亡」這件事也不會例外。「大逃殺」中不斷推疊出的死亡，會讓觀眾無法正確的評價與挑選出該死亡的意義存在與否，死亡變得只是影像帶給觀眾的瞬間刺激，但卻將死亡如此重要的意義空洞化了。電影「蒼蠅王」中，在孩童間的相互行為下，只死了兩個人。這兩個人的死亡意像必然帶有某種意義凝聚其上，而這點我想就放在電影輪廓的概述後再來細指。
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「是誰殺了影片開始時的那位小女孩？」
是留下皮箱的殺手？勞勃狄尼洛所扮演的那位黑幫老大？還是美國政府？或許前兩個答案差別不大，但看起來肯定比最後一個答案來的正確。那麼讓我們跳脫影片時空換個現實情境來思考。現在的台灣有禁酒令嗎？沒有。所以台灣沒有黑道是因為私賣酒品而獲取暴利。沒有可觀的暴利相互競奪、沒有雄厚的經濟實力支撐起橫行的可能，自然沒有為了賣酒而提著皮箱當炸彈去炸掉一間店的社會新聞了。所以，當時實行禁酒令的美國政府其實才是那個殺小女孩的兇手。
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罪名是流浪罪？刻在阿靈頓公墓當他的墓碑很好吧！
---這是贏得國會勳章的藍波 從敵後無數任務中生還 在美國因流浪而被殺死
我最討厭看動作片了，但「第一滴血」這部電影對我來說絕對是一部好看到不行的另類動作電影！它的內容與反思性企圖，絕非一般動作片可以與之相比擬的！即使它在「動作」部分的拍攝手法也是相當不錯地兼備了娛樂性，但與其停留在觀賞動作畫面的刺激感層次中，不如體驗與感受藍波在這95分鐘的「待遇」在精神上能更為深刻。
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